讀劇匯 X 文策院 音樂劇國際論壇 －「發現入歌點：音樂劇歌曲設計與分場安排」側記

創作者論壇－發現入歌點：音樂劇歌曲設計與分場安排

活動日期：2026/1/28

活動地點：臺北表演藝術中心排練室

Will 首先分享了他與搭檔 Hue Park 的創作心法：面對跟歌曲有關的種種抉擇，最重要的是問自己「你真正感到興奮的是什麼？」雖然音樂劇的慣例與規則，對創作者來說是很好的工具，在遇到瓶頸時，也可以參考其他作品的處理方式，但創作不該只是列出所有「該做的事」並一一打勾，重點是那個「一想到就讓你熱血沸騰的關鍵」是什麼？

創作初始階段，Will 和 Hue 除了討論故事雛形，同時也會搭建一條「歌曲骨幹」(Song Spine），意思就是以歌曲來反映支撐整齣戲的重要戲劇骨架。以《Maybe Happy Ending》為例，Will 和 Hue 在發想故事及草擬分場大綱的同時，其實就一面在構思這部戲會有哪些歌，主題是什麼，並暫定曲名。因此，故事大綱與 Song Spine 的發展是同步進行、相輔相成的，而非先把完整故事寫出來，再回頭去把其中幾場戲改寫成歌曲。

而這份 Song Spine 如同地圖，就算拿掉劇本，也應該要能表達出整齣戲的旅程。作品的核心概念、衝突、重要情緒節點等，都應該被具體地體現在歌曲之中。Will 以《西城故事》（West Side Story）舉例，每首歌曲都緊扣作品主題或主線，例如開頭〈The Jet Song〉揭示了兩幫人馬間的敵意，因此後面〈Tonight〉就不只是情歌，情侶所屬的敵對陣營也意味著衝突一觸即發。而《Maybe Happy Ending》裡的〈The Rainy Day We Met〉一曲中，兩個不相信愛情的機器人，為了假扮成人類，必須扮演一對情侶。因此儘管看似是情歌，其實也乘載著本劇機器人與愛情的衝突點之一。

Song Spine 也可作為後續開始寫曲時的藍圖。形式上，歌曲間的風格、速度與功能必須具備多樣性，快歌慢歌、不同拍數、獨唱重唱或群唱等，都須經過配置。歌曲同質性過高的音樂劇，除了聽覺上容易倦怠，更可能反映了劇情起伏不足，或是儘管寫了多首歌，但其實一直重複做著同樣戲劇功能的事情。因此，故事大綱與 Song Spine 之間反覆來回地確認便非常重要。

而內容上，Will 則提醒了找到歌曲「切入點」的重要。在完成 Song Spine 的規劃後，還需為每首歌找到一個微妙的角度，藉此帶出所安排的戲劇目的，而非只是在字面上陳述戲劇節點而已。以《Maybe Happy Ending》為例，〈Hitting the Road〉這首歌以出門旅行，打包行李為情境，但其實講的是角色們一成不變的日常生活第一次被打破的心情。儘管如此，歌曲並沒有取名為 “Breaking Our Mundane Routine”（打破一成不變的日常），而是將歌曲主題以角色當下情境包裝。

又比如《Maybe Happy Ending》的開場曲，在 Song Spine 規劃期間就已經命名為〈Why Do We Love〉（註：在美國版後來更名為〈Why Love〉），負責點出全劇的核心命題。但此刻主角對此仍渾然不知，而 Will 和 Hue 也不想動用群演直接告訴觀眾故事主旨。後來，兩人從主角熱愛的爵士樂發想，將開場曲寫成了他喜愛的爵士樂曲。這麼一來，隨著主角對這首歌曲的體會逐漸深刻，整部劇的旅程也能就此體現。

在規劃 Song Spine 時，的確也能套用一些既有的歌曲主題類型，例如 I Want Song、背景介紹歌等，但 Will 強調規則雖可輔助卻絕非創作核心。有些創作者確實「正確地遵循了規則」，卻忘了歌曲同時也需要驚喜與新鮮感。因此最後還是要回歸到，什麼樣的歌曲點子讓你迫不及待想把它寫出來？

細談兩人的工作方式，Will 表示他與 Hue 有時習慣先寫出旋律，再寫詞。這在美國是頗不尋常的模式，倒是更接近 KPop。做法是兩人在構築 Song Spine 的同時，也會隨手蒐集「音樂靈感」，可能來自電影配樂或樂團，一些單純聽了有感覺，放進故事場景裡好像也不違和的音樂素材。接著 Will 會開始創作一些音樂段落，可能是一小段旋律或伴奏，且在這個階段都還只是純音樂構想，暫時不考慮劇情。隨後他們把這幾百個點子丟進一個大資料夾，經過討論後，篩選出十幾段旋律，才開始嘗試把音樂對應到 Song Spine 上，探索它們貼合故事的可能。

以《Maybe Happy Ending》為例，Will 為我們播放了兩段旋律：其中一段，當時取名為〈Free Melody〉，概念是一段格律隨興，近似隨口哼出的旋律，但由兩個人同時唱出，彷若在那一刻兩人思緒同步。另一段，取名為〈Fast Slow Melody〉，則只是想實驗一段旋律，步調徐徐但音符頻密的效果，感覺會很有趣。

到了要將音樂連結回劇情的時候，這兩段旋律節奏相差不遠，但氛圍迥異，兩人開始想像將之合為一首歌，營造某種對比的可能。後來，第一段旋律幽幽，成為男女主角對愛情既定負面認知的憶想，而第二段旋律的重複與從容，則用來傳達他們親歷愛情後那些平凡日常中的美好。兩段相互映襯，就成了現在劇中的〈When You’re in Love〉。

值得一提的是，上面兩段旋律片段的歌詞其實一開始與劇情無關。通常在實驗階段，Will 會隨口唱出一些沒什麼意義的「歌詞」，一方面確保旋律的可唱性，一方面也讓Hue 能夠抓一下音樂與人聲結合的感覺。直到兩人決定好想使用的片段和大致對應的戲劇節點時，Hue 才會根據 Song Spine 上的暫定歌名，為歌曲填上韓文歌詞。與此同時，Will 也會將音樂片段擴寫成完整的歌、配上適合該劇情的配器，並與 Hue 討論與修改。例如，〈When You’re in Love〉裡將情感堆積到高潮的 bridge，就是在開始填詞後，發覺有這個需求才加上去的。

這樣歌曲概念與音樂分別發想，最後再結合的方式，對他們最大的好處在於，能確保寫出來的歌曲是充滿直覺與新意的。如果從故事情節構思旋律，Will 自覺很容易落入既定印象的窠臼，比如墜入愛河應該會是怎麼樣的音樂。讓兩人在寫曲時有足夠空間去實驗，先尋找火花，再補足戲劇功能，而不是以滿足劇本所需為寫歌的首要指引，使劇中歌曲就算僅僅是純音樂都讓兩人感到興奮。而以台灣的現況來說，因為中文聲調較多，為了避免填詞時的倒字問題，通常習慣先寫出劇本與歌詞，最後才依循歌詞聲調進行作曲。

隨著歌曲逐漸成形，Will 和 Hue 也會開啟比較「嚴苛、誠實的編輯模式」。甚至再回頭去修改 Song Spine 原本規劃好的音樂樣貌，也是有可能的。例如《Maybe Happy Ending》的第二首歌，在 Song Spine 的版本裡命名為〈In My Room〉，最初構想是要刻畫一個孤單的機器人（即男主角 Oliver），在他的房間裡獨自生活了十年。但當 Oliver 的主線逐漸明朗，兩人發現這首柔和、帶著淡淡憂傷的鋼琴曲，反映的是他們眼中的 Oliver，然而 Oliver 對孤獨應該是毫無自覺的。於是兩人便重新寫了一首截然不同的〈The World Within My Room〉，曲風動感而明亮，反映此刻 Oliver 的忙碌與怡然自得，音樂上更貼近角色心情，也將孤獨感留給觀眾自己意會（而非由創作者告知）。

不過 Will 也坦言，許多時候這些決定其實很看直覺，也就是：「這裡唱歌，我會不會無聊？」像是 Song Spine 裡，原先女主角 Claire 有一首歌在講她多麽喜歡螢火蟲。但很快地兩人發覺，這首歌如果寫出來應該會很濫情，尤其後面他們真的看到螢火蟲時又要再唱一首歌，就更顯多餘。最後兩人決定這個戲劇節點以獨白傳達就好，並用配樂和視覺效果烘托氣氛。《Maybe Happy Ending》裡有四到五個場景，都是在初稿階段選擇配樂而非歌曲。

整個創作過程，Will 與 Hue 會盡量長時間保持彈性，也隨時準備像拼馬賽克一樣移動想法與素材，嘗試不同的效果。他們喜歡先把劇本完整寫出來，即使某些地方還很亂也沒關係。看到整體之後，再帶著對這個故事新的認識，重新塑造一個新的版本——那才會成為拿來正式讀劇的第一版。

來到了第一次讀劇。以《Maybe Happy Ending》為例，第一天先進行 table read（演員拿到劇本，現場讀劇），經過一週的排練，最後再以一次完整呈現作結。對 Will來說，觀察自己讀劇前後的心情變化，是重新審視劇本的契機——哪些段落期待交給演員，又有哪些段落會感到不安？當聽到台詞被詮釋出來的效果，也能立刻啟發他們做刪減、修改、釐清模糊之處。一直到下一次讀劇，甚至到了試演，當舞台架起，演員換上角色形象，所有元素都到位時，往往能發現其實不需要那麼多台詞。

在這個階段，劇本也會開始陸續收到回饋，而決定要採納哪些回饋，是每個創作者的挑戰。Will 分享到《Maybe Happy Ending》第一次讀劇時，Hue 堅持安排弦樂四重奏，而非最常見的鋼琴伴奏。儘管成本較高，Hue 相信「機器人談戀愛」的故事概念太難理解，而音樂也非典型百老匯風格，如果僅有鋼琴，觀眾會容易帶著其他現代音樂劇的想像，就很可能在不理解或誤解下給出回饋。因此，辨認出在哪些條件下，創作者的意圖才能有效傳達，觀眾給予的回饋才有參考價值。此外，如果有一些能信任、品味相近的朋友或同行，他們的回饋也可能值得傾聽。

在發展美國版時，《Maybe Happy Ending》經歷了兩個重要改變。第一是劇本的精簡，以 reprise 取代部分歌曲，也寫了一首新歌，將韓國版後面約10-15分鐘的劇情濃縮在一首歌的時長內。主要考量是，針對更大基數的美國觀眾，希望尋求更省力且有效的敘事手法。而使用 reprise 的好處是，新曲可以直接用前一首歌已確立好的元素去延伸、重新詮釋，不用另開新局，觀眾也可以藉由兩首歌的對照，察覺到主題或心境發生哪些變化。Will 也提到在精修劇本時，若能找到信任的人看劇本，並把所有非必要的段落無情劃掉，這麼做頗能刺激他們重新審視劇本，找到可以精簡的段落。

第二個改動則是，將韓國版第三位演員的兩個角色分開，由兩位演員分別扮演 Oliver 的故主和他喜歡的爵士歌手。這是美國版導演 Michael Arden，在第一次看過工作坊呈現效果後提出的建議，認為當這兩個對 Oliver 至關重要的角色形象不再重疊，反而更能在劇本裡找到各自的份量。而從這個決定，也衍生出美國版的新歌〈A Sentimental Person〉，藉爵士歌手之口，反映 Oliver 對情感的體悟與轉變。

在此 Will 特別提到，在美國大家有個共識：回饋最好由單一窗口提供，而非人人隨時自由提出。通常這個窗口由導演擔任，在彙整各部門意見後，再適時將這些意見提供給創作者。由於美國劇場分工精細，這麼做才能避免人多嘴雜，彼此矛盾，反而讓創作者亂了焦點。

許多音樂劇可能會在劇本輪廓大致確立後，才開始安插一些細節元素。但《Maybe Happy Ending》裡，許多的象徵與視覺符號，卻都是發想階段，在 Will 和 Hue 的直覺下誕生的，而非刻意設計。

像是《Maybe Happy Ending》的歌曲裡融入了不少爵士樂。Will 回憶最初吸引兩人開始探索這個故事的，是 Hue 腦海裡的一個畫面：深夜裡，一個機器人在地下室獨自吹奏長號。讓兩人著迷的，不只是機器人與爵士，兩個極端的搭配，更是這個機器人可能永遠無法即興，卻依然心嚮往之的心情，似乎也是許多人的寫照。因此爵士樂其實從一開始便刻在這部劇的基因裡，最後安排作為 Oliver 的情感出口。

而 Hue 的視覺藝術背景，也讓他在創作初期常能想到許多視覺元素。像是陪伴Oliver 的盆栽、Claire 嚮往的螢火蟲、或是兩人最初交談使用的紙杯電話等。這些元素往往不經意下誕生，因為兩人覺得有趣便暫且保留，卻在後來故事日漸清晰時，兩人忽然意會到它們在故事裡的涵義。像是盆栽作為 Oliver 的傾訴對象，映照著他的孤獨；或是螢火蟲轉瞬即逝的光，象徵 Claire 臨終前對生命的憧憬等等。

也因此，Will 仍然鼓勵創作者們，在初始階段保有一種「玩心」。將內心的創作者與編輯分開，創作時盡情玩耍，大量創作，盡量去想最酷、最有趣的可能，不要自我設限或審查。如果有衝動想嘗試什麼的話就放膽去試，事後再來想用意為何也沒關係。等累積夠了，再切換回編輯的角色，好好評估、篩選手上素材，並容許決定好的事情持續變動。但無論如何，「先寫多，再來刪」，有些素材儘管最後不在了，它在周邊段落留下的痕跡也一直還在。

Q：整齣戲的時間長度、角色數量等細節，是在開始創作音樂前就決定嗎？以及如何決定？

A：其實 Will 在最初討論「機器人談戀愛」這個故事概念時，就開始蒐集音樂靈感以及創作旋律素材了。兩人是一邊討論故事，一邊摸索音樂的。角色數量反而是在故事有了初步構想後才決定的，也在這時開始討論 Song Spine 裡的歌曲與主題。

Q：大概在哪個階段開始寫劇本台詞？

A：通常是在篩選完旋律片段，並跟 Song Spine 對應好以後，一邊把歌曲寫完整，一邊發展劇本台詞。

Q：韓國版和美國版，歌詞調性似乎有些差異，好奇原因？

A：這題有很多因素。其中一個是文化差異，比如 Will 認為對美國觀眾來說，煽情過了頭有時反而會有點搞笑。另一個因素是規模，韓國版在小劇場演出，檔期短，比較像小品的感覺，較有餘裕慢慢烘托氣氛；而美國版在百老匯演出，規模大很多，需考量更多不同觀眾的口味，因此講求節奏快、不拖戲、資訊交代更清楚。

Q：如果是改編作品（如改編自電影的《Bungee Jump》，也是兩人的作品），兩人的工作模式又是如何？

A：改編作品的話，最重要的是問自己，原作主要在講什麼，並以此作為發想歌曲的指引。《Bungee Jump》電影裡有段經典片段，是蕭士塔高維奇所譜的華爾滋。在改編為音樂劇時，兩人決定不沿用他人的樂曲，自己譜寫華爾滋，且將之與本劇有關愛與信任的主旨連結，賦予新的情感重量。
 

Q：創作者的直覺該如何訓練，對創作者有沒有什麼建議？

A：多看不同的參考對象，去想想為什麼自己會喜歡某些音樂、某些樂團或歌手？或者某些音樂劇的寫法，哪些你喜歡、哪些你不喜歡，以及為什麼？可以從其他作品汲取靈感，也可以藉此多了解自己。

活動側記：張慕恩